Más negro. Las mejores series del 2018.

Si ayer os comentaba las mejores novelas leídas en el año, hoy es turno de las series. Aquí están las mejores que he visto, estrenadas o no este año. Aquí el color negro adquiere muchos más matices que con la novela. Más variedad y combinación siempre junto al negro.

Pretendía, al igual que con las novelas, resumirlas en tres, pero me ha sido materialmente imposible. He creído conveniente agruparlas en tres tipos:

Las de factura americana en la que se ha empleado un agudo sentido del humor, inteligente, que huye de la chabacanería y la vulgaridad, cosa a veces difícil de encontrar en el mercado estadounidense. Son Get Shorty (2017) y Hap and Leonard (2016) fundamentadas ambas en una pareja que intenta salir adelante en un mundo harto difícil, rayando la legalidad e intentando conservar la dignidad humana utilizando para ello la socarronería y la ocurrencia.

Una de factura tradicional, en este caso italiana, con el estilo inconfundible, cínico e irónico, del malhumorado y triste Rocco Schiavone (2016), policía creado de la mano de Antonio Manzini, un procedimental, donde lo importante no son los casos a desvelar, no por ello menos importantes, sino los peculiares temperamentos y personalidades de los personajes que intervienen.

Y como no las de creación nórdica, tan en auge en estos momentos y que aúnan calidad visual, consistencia y severidad de las tramas y reflejo de sociedades de vanguardia creadas al abrigo de los más antiguos estados de bienestar. Son Sorjonen (2016), Valkyrien (2017) y Jordskott (2015). Estas dos últimas con un plus de riesgo, añadiendo a sus temáticas el funcionamiento conspiranoico fuera de la sociedad, en el caso de Valkyrien, o temas sobrenaturales de la mitología nórdica, en el caso de Jordskott.

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Fuera del camino no puedo dejar de reseñar una serie que me causó un verdadero impacto, Camarada detective, una serie nada menos que de 1980, pero de las que es difícil encontrar huella y semejanzas. Se trata de un policial que sucede en la Rumanía de la época comunista, donde se sigue las normas y modelos establecidos para el género de manera estricta, pero desde la óptica del comunismo. Pero creado en el seno del mismo. Un ejercicio para todos aquellos que desean ir un paso más allá y ver como el noir puede adaptarse a múltiples formas. Y con una historia detrás realmente alucinante.

Como siempre, pasa y disfruta. Abrazos para todos.

Get Shorty. Serie. 2017

Me enseñó una amiga que a veces no es necesario recurrir a los aspectos típicos de una reseña para hablar de una producción artística. Y Get Shorty creo que es una serie a la que bien se le puede aplicar este principio.

Para ello, no hace falta hablar de encuadre, fotografía, diálogos, planteamientos y demás aspectos formales para hablar del aporte de un producto audiovisual al espectador, únicamente dirigiénlo a su función contemplativa. Un espectador, que como yo, desea a veces que se le invoque hacia una nueva trasferencia de sentimientos de la pantalla a las vísceras (entiéndase corazón o cerebro) sin necesidad de profundizar en el porqué, el cuándo y el cómo de ello.

Y es que en eso de la búsqueda universal de «pasárselo en grande», Get Shorty asegura el modo y la forma. Una historia de la delincuencia y de la producción hollywoodiense entremezcladas, haciéndolas internecesarias y quién sabe si realmente verdaderas. En cuanto a los medios para conseguir un fin, una novela surgida de la mente del reconocido Elmore Leonard, que también participa como guionista, y con  mismo título: Get Shorty escrita en 1990. Unos cuantos años. Sólo dos años después, escribió su novela Jackie Brown que fue llevada al cine por Tarantino con el mismo título. Una piedra angular. Pero esa es otra historia.

Esta es la historia de un delincuente que busca la salida de los peligrosos caminos mafiosos a través del cambio de trabajo, para ello elige nada menos que la de ser productor cinematográfico. La producción fílmica como lugar y medio del que deshacerse de demonios y malas compañías que están llevando a la ruina a su bienquerida vida personal. Dos sistemas cuasiincompatibles. Tarea nada fácil.

Y a partir de aquí, dos temporadas de agudo ingenio y malabarismos para conjugar las mejores ayudas que una mala vida puede proporcionar con el intento de que no se mezclen ambos mundos e intentando no caer al mismo tiempo en los brazos de un FBI que se esfuerza por acabar con el narcotrafico mexicano en tierras californianas.

Pero lejos de ser una investigación policial, de agentes de poca pericia y nula convicción en las pocas veces que aparecen, Get Shorty se centra en las cotidianas vidas de quienes viven en ambos mundos, gente de todo tipo. Quienes intentan alejarse de vidas ilegales (Miles Daly interpretado por Chris O’Dowd); quienes intentan ganarse la vida y la fama en la industria hollywoodiense, presentada como bastante rastrera (Ray Romano en el papel de Rick Weather); o quienes se ganan la vida con el narcotráfico con la misma naturalidad como si la mercancía fuera un vulgar electrodoméstico, un elenco de torpes y malvados sin atisbo de terror.

Al margen, ironía, buen hacer, grandes diálogos y divertimento a raudales, humor muy muy negro con el propósito, no sé si el único, de hacer pasar unas cuantas horas de entretenimiento a través de las ácidas y atareadas vidas de personajes muy especiales y nada comunes dentro de una historia muy especial y nada común. Gran propósito.

Comparable en cuanto a estilo y tendencia, para quienes quieran hacerse una idea tonal más aproximada,  a mis queridas Hap and Leonard o en el terreno inglés a No Offence.  Siéntense, abróchense los cinturones y prepárense para un viaje emocionante e ingenioso. Políticamente incorrectos. Y quien sabe si más común de lo políticamente deseado. Salud.

Puedes ver GET SHORTY en HBO.

Hap and Leonard. Serie. 2016

Es una de las series en las que el boca a boca va surgiendo efecto, y digestiones. Poco a poco sin prisa.

Dos productos de la sociedad norteamericana, tan variada como extraña. Nada de estereotipos, pocos lugares comunes. Quizá el sureño racial norteamericano. Una diversidad social, política y personal que transgrede la comunidad de los políticamente correctos.

Hap, ex-hippy, con una vida arrastrada, de insumiso, de antimilitarista, no se sabe si por motivos egoístas o altrusitas, más bien lo primero, comparte su vida con Leonard, negro, gay, ex-militar y de ceño fruncido. Una amistad de las que se soporta con dignidad, con el estoicismo de aquel que asume que el destino ha puesto esta piedra fraternal en el camino de la vida. Es mi amigo, a mi pesar.

Tres temporadas, de seis capítulos cada una, en la primera se dedican a intentar encontrar un tesoro desaparecido, en la segunda investigarán, dado su tendencia natural a la justicia divina, a meterse donde no les llaman, la desaparición de unos niños negros a lo largo de los años. La tercera está pendiente. Humor y crisis, desapetencia y compromiso, desencanto y vigor, todo a la vez, raudales de buen humor y atípicos personajes. Una combinación poco trabajada y poco tratada. Unos tipos sacados de las entrañas de lo alegórico y de los escupitajos de la sociedad que su director se empeña en mostrarnos alejada de estereotipos y clichés creados por medios políticamente correctos. Que no es oro todo lo que reluce. También hay mierda. Y gente pa tó.

Una apuesta por lugares, tramas y situaciones alejada de afectaciones y artificios. Un lugar donde volver a encontrarnos con la real realidad de la sociedad norteamericana aunque sea a través de situaciones extravagantes en el sur, sureño.

Producida por Sundance TV y dirigida por Jim Mickle, de la que no os podéis perder su película Frío en julio donde Michael C. Hall, Sam Shepard y Don Johnson lo bordan. Basada en la novela del mismo título de Joe R. Lansdale escrita en 1989.

Una renovación.

El trailer de la primera temporada es suficiente para enganchar al más incrédulo.

 

 

 

Rocco Schiavone. Serie. 2016.

Un vicequestore que no confunde la ley con la justicia. La justicia es como las serpientes, sólo muerde a los descalzos. La impone si hace falta. Ya le advierte el juez Baldi cuando se le presentar a su llegada a Aosta: «Si usted hace de policía y juez a la vez, mal vamos a llevarnos». Y es que Baldi conoce los motivos de su traslado forzoso proveniente de Roma. La justicia por su mano con enemigos poderosos por medio. Mala combinación.

Rocco es un policía bueno en su trabajo, seco más que serio, incluso antipático, áspero, como desearíamos serlo más de uno, de voz profunda (mejor V.O.S.) con tendencia al enojo. Pero nada de gravedad y recatamiento, nada de moralidad intachable ni boludeces políticamente correctas. También es un fumeta, consume sus porros en el despacho, en la ventana, para que no huela. Como él mismo dice «es su oración de la mañana».

Los católicos rezan, los ateos leen el periódico, yo me fumo un porro.

Es un personaje integral, con muchas más facetas. En el plano sentimental pica de flor en flor desde que enviudó arrastrando la losa de la ausencia de su esposa. En la pantalla se ha resuelto muy bien este asunto. Cada vez que Rocco está solo en casa podemos verlo interactuando con su esposa Marina, como si de una pareja real se tratase. Pero nada de pasteleo amoroso, conversaciones habituales y un tanto vencidas. Sentimental sin lloriqueo.Pero en general, a pesar de que las tramas no son nada superficiales, con gran carga trágica, predomina un ambiente distendido centrando la atención además de en los sucesos, en el comportamiento y las reacciones del vicequestore. Y es que menudo genio que se gasta el abuelo. Cumplidos los 50, la comisaria de Aosta no es precisamente donde se reúnen los genios de la policía ni el mejor sitio para un policía con experiencia.Y aquí entra de nuevo otro atractivo de la serie que acompaña y aupa la figura de Rocco. La colección de ayudantes que forman la unidad bajo su mando. Italo, el más cercano, que se desmaya ante cadáveres, imposible entrar al depósito; Caterina, una joven policía con brillante futuro. Hasta aquí bien, lo que se podía esperar, pero también existen D’Intino, Casella y  Michele, la estupidez mental reencarnadas, torpeza y lentitud, y que consiguen con sus meteduras de pata y sus ilógicos e insólitos diálogos arrancar más de una carcajada. Un Catarella multiplicado por tres. Añadimos a dos amigos del alma, Sebastiano y Alberto, forense de Aosta y completamos un cuadro kafkiano, absurdamente complicado.Y el marco alejado de los estereotipos de la negra italiana, Izzo y Marsella, Montalbano y Sicilia. La ciudad de Aosta, alpina, con las montañas permanentes de fondo, con nieves en montones en las esquinas de las calles. Rústica en muchos aspectos. Inclinada siempre a resguardarse del frío. Más cerca de Ginebra que de Milán. Frío nórdico.Esa conjugación de la imagen noir nórdica, desdibujada, apagada de colores, lánguida, bastante austera, con la idiosincrasia de la vida italiana, su humor, su postura alegre y desenfadada ante la vida, algo más que la laboral, produce un resultado magnífico, donde encontraremos muchas y diversas sensaciones a las que el género noir no nos tiene muy acostumbrados.

Basada en las novelas de Antonio Manzini, son seis capítulos de hora y tres cuartos cada uno, para disfrutar. Pues disfruten.

 

Zona fronteriza. Grenseland. Serie. 2017

Una nueva serie noruega, con novedades y con cotidianidades. Bajo la mortecina luz que ampara el saber de las nuevas realizaciones del norte, nos presentan una nueva que serie que aporta de lo uno y de lo otro.

De lo uno, un policía homo de gran rectitud, le apartan de un caso en que ha denunciado a un compañero por presunta, como siempre, implicación en el asesinato de una confidente. Por lo tanto, rechazado por todos. Pobrecito.

De lo otro, el mundo no es como queremos que sea, sino como es, con sus avaricias y pertienentes intereses, con deseos de conquistar lo que está fuera de nuestro alcance pero a lo que creemos que podemos optar, ¿por qué no?. Yo también quiero vivir bien y sin obligaciones ni presiones.

Y el susodicho defensor de honestidades y rectitudes, nuestro detective Niko, se convierte, por arte de magia, en un corrupto en toda regla, intentado ocultar y amañar pruebas en una muerte en la que un miembro de su familia está implicado. La familia, al mejor estilo italiano, es la disculpa necesaria para justificar acciones delictivas. ¿Lo harías tú por tu hermano? Aquí es donde nos ataca la esencia de la serie. Cuando nos tocan nuestros límites, en este caso la fraternal devoción por una malentendida lealtad a valores sometidos al imperio de la sangre. Como siempre, cada uno tiene su precio.

Una serie para discutir, para dejar claro que el blanco y el negro no existe, que ni la verdad ni la maldad tienen términos absolutos y donde solamente hace falta que nos toquen nuestras profundas debilidades para saber que somos honrados hasta cierto punto.

Nuestra honradez pende de un hilo. Hace falta localizar el hilo, y tirar de él para ponernos contra la espada y la pared. ¿Y tú que estarías dispuesto a hacer por la sanguinolenta familia? Respóndete.

Seguiremos indagando en las profundidades de las convincciones.

 

Valkyrien. Serie. 2017.

Es que no paran. La gente del norte se aplica y cada vez más. Cuando pensaba que ya habían explorado todos los aspectos de una buena serie noir, vuelven a sorprenderme y empieza a instaurarse en mí la confianza en guionistas y realizadores haciendo verdader la máxima de que no hay historias malas, sino mal contadas.

De la mano de Erik Richter Strand, que ya cuenta en su haber con el logrado largometraje Varg Veum (2012), surcamos una sociedad noruega no tan perfecta como los del sur europeo podamos imaginar. Oslo como centro de referencia.

Dos paranoicos, un médico (Dr. Ravn) desesperado en tratar de curar a su esposa deshauciada y que necesita un lugar para instalar una clínica; y un pre-apocalíptico, blogger que intenta mantener a disposición de sus conciudadanos los medios mínimos de supervivencia ante un posible cataclismo final, también necesita una clínica para ofrecer tratamientos de salud alternativos al margen de la sanidad oficial, hacen un pacto para ocupar uno de los bunkeres subterráneos de la ciudad de Oslo. Genial.

Y un atracador, Teo, con una saca de dinero que necesita atención médica tras fallarle el golpe y resultar herido. Y un policia, Per, con cara de niño que se lo huele todo. Un thriller que trasciende los tradicionales problemas y situaciones personales e íntimas para trasladar esa inquietud y desazón a temas de un calado social amplio.

Se le achaca deudora de Breking Bad, por el papel que adopta el protagonista, un profesional de clase media que, al estilo de Walter White, se le despierta por la necesidad una astucia para conseguir alcanzar sus fines, en cierta manera loables, empáticos y justificados.

Un ejemplo de lo que empieza a llamarse los Scandi-dramas.

Glacé. Serie. 2016

Un intento francés de estar a la altura de los nórdicos. Salvando las diferencias se acercan a las propuestas estéticas, psicológicas y argumentales de éstos.

El capitán Servaz, creado de la pluma de Bernard Minier, un autor de novelas muy en la línea del polar francés, nos remite esta vez a una producción audiovisual donde la nieve y el frío es tan protagonista como en las mejores series del norte de Europa. Muy individualista, muy psicológica marcando las mentes de los protagonistas como punto fuerte de su propuesta. 

Hirtmann, un asesino en serie surgido de las mismas entrañas del cuerpo policial, frío, severo, manipulador y de personalidad odiosa, cuya única preocupación es seguir manipulando las vidas de todos los que les rodean a través las grietas y traumas de unas personalidades socialmente incapaces de aceptar los juegos de vida y muerte que el asesino les plantea.

Basada en la novela Bajo el hielo, goza de profundos sentimientos que se sienten en bajo un ambiente congelado, distancia, desconfianza, en un valle de los Pirineos. De camino al trabajo, los empleados de una planta hidroeléctrica descubren el cuerpo de un caballo decapitado suspendido en la cara helada de la montaña. La investigación es llevada a cabo por Servaz, que siempre actuando por su instinto le lleva al caso más extraño de toda su carrera. ¿Qué motivos podría tener alguien para asesinar a un caballo a dos mil metros de altitud? Todo indica que éste es sólo el principio de una larga pesadilla. Y así es.

Psiquiátricos, psquiatras y empleados con cosas que ocultar, policías comprometidos con algo más que su trabajo, poderosos que inflaman las pesquisas policiales, fuerzas vivas del pueblo que se permiten deslices protegidos por sus cargos.

Seis capítulos que se ven en un santiamén.

 

No offence. Serie. 2015.

Los británicos vuelven a la carga. Tras una clase de historia con The Crow, Downton Abbey o Taboo, retornamos a la realidad negra en la línea de Happy Valley , actual, de tiempos modernos, una pandilla de la comisaría de Manchester, reino y sede, profundamente humanos con su cotidianidad terrenal como bandera. Una serie sin grandes fuegos artificiales que va luchando por su hueco tributario al boca a boca en la marabunta seriéfila.

Una patada a la postiza seriedad de muchas series policíacas. He llegado a creer que su única finalidad era rechazar cualquier tipo de gravedad y circunspección utilizando sabiamente la construcción de diálogos y sus herramientas para eliminarla. Fuera melodramatismos innecesarios con una sola frase o una sola imagen, porque en esto de la representación visual, una imagen suple a mil palabras.

Para ello están la inspectora Vivienne Deering, oronda, desprejuiciada y práctica en cuanto al funcionamiento del mundo de de la investigación criminal. Y las detective Dinah y Joy, de distintos temperamentos pero con unas ideas claras de su misión en este cuerpo policial. Tres mujeres, diferentes pero cómplices si nos atenemos a la resolución de la primera temporada. El plantes se completa con dos hombres el detective Spike criado en los bajos fondos y de amplio bagaje policial y el jefe McLaren supeditado a la buena imagen de la policía metropolitana. Y no se acaba en ellos, todo un plantel de los más variados géneros humanos y policiales.

Yo que soy poco dado a segundas temporadas, No Offence me convenció indiscutiblemente a continuar con ella. Dos temporadas con tramas muy diferentes, una de implicaciones más personales y otra con las bandas mafiosas con telón de fondo. Recomendables ambas, por geniales, por políticamente incorrecta. Ocho capítulos de sesenta minutos. Ligera y especial, dos adjetivos al pelo.

Nominada a los premios BAFTA 2016 a la mejor serie dramática, ha sido creada por Paul Abbott entre cuyos logros se encuentra la inclasificable Shameless.

 

 

Sorjonen. Serie. 2016

Comenzamos el año a lo fuerte. Serie nórdica, finlandesa más concretamente, Sorjonen es una muestra más del despegue de las tierras del norte. La creación de series policiales de éxito e internacionalización es apabullante. Rebecka Martinsson, Forbrydelsen o Cardinal, canadiense, también del frío. ¿dónde está el éxito?

Más interioridades nórdicas. Sigo cayendo presa del planteamiento boreal más estético e interpretativo que argumentativo. Y es que cada uno tiene sus debilidades. Un falso sosiego enmascara mucha violencia latente. Una luz permanentemente gris, con líneas y formas simples, minimalismo, nada de ornamentación. Resultado envolvente poco acostumbrado por estas tierras sureñas.

 

Temas vicio-poder, drogas, corrupción política. Ya lo digo, el argumento secundario. Bajos instintos, preeminencia social. Con el salvajismo propio de estas regiones.

Sorjonen, también presentada como Bordertown (Ciudad perdida), hace gala de un arte frío, acompañada de colores sombríos, faltos de la luz natural propia del lugar donde sucede, Lappeenranta, una ciudad fronteriza entre Finlandia y Rusia, cerca de San Petesburgo, escenario también de la serie.

El personaje principal, nuestro jefe Sorjonen, es un tipo bastante más extraño de lo habitual, no tanto un inadaptado como un visionario al margen de procedimientos policiales habituales, más un loco alquimista que un frustrado social. Disfruta de la protección intelectual de sus superiores por su demostrada competencia.

Con profusión de planos cenitales, estos drones han revolucionado los planos, no permite despegar los ojos de la pantalla, variando continuamente la manera de implicarnos en la historia. Tiene una cabecera de las mejores que he visto últimamente.

Ah! y mucha mujer en el reparto principal, de muy variados carácteres aunque los malos siempre son los hombres.

Creada por Miikko Oikkonen, esa su vez es director de los once episodios de esta primera temporada, que si bien no es un neófito, su trabajo únicamente lo ha desarrollado en el ámbito finlandés. Dado el éxito de la serie su productora, Fisher King Production, ya está planeando la segunda entrega. Potencia del siglo XXI.

 

Mindhunter. Serie. 2017

Asombrado por la capacidad de invención e innovación de la seriofilia americana. Una renovación visual y narrativa del mundo noir.

Podríamos fijarnos en la archiconocida Mentes Criminales, la primera que estableció como premisa la psicología de genios del sadismo y la barbarie a la hora de cometer un crimen, pero Mindhunter le vuelve a dar una vuelta de tuerca.

Recrea los años en que se puso en marcha la división de análisis de conducta criminal por parte del F.B.I., allá por los 70.

Bucearemos, como no, en los primeros intentos de convencer a las autoridades encargadas de la materia criminal sobre la importancia de los perfiles de los asesinos para así, poder identificar sus maléficos propósitos. Una serie que manifiesta la falta de miras de una administración americana pero aplicable a muchas otras, ejem, ejem, sobre cualquier tipo de innovación de las ideas. Crítica social. Los ordinarios planteamientos oficiales necesitan de serios revulsivos para adoptar nuevos enfoques.

Pero no sólo eso, tiene más cosas. En pocas series, el principal impacto la tiene un personaje secundario. Es reconocida, por todos los que la han visto, la espeluznante interpretación del actor Cameron Britton del personaje de Ed Kamper, un asesino que se inició con quince años asesinando a sus abuelos. Se ganó el título de «Co-Ed Killer» (asesino de colegialas) al asesinar a seis mujeres jóvenes estudiantes, además de a su madre.  Decapitaciones y demás. La entrevista a este perverso individuo en la serie es uno de sus platos fuertes. Verdaderamente impactante.

Pero con él, ni comienza ni termina la serie, otros grandes asesino de mentes retorcidas nos ofrecen sus testimonios del cómo y porqué realizaron las atrocidades por las que están condenados. Unos minutos de morbosa exhibición que no deja indiferente. Monte Rissell o Jerry Brudos son otros de los insignes homicidas de los que seremos testigos de sus desmanes contados de su propia mano.

Tras estos impactantes testimonios, los papeles de Jonathan Groff, Holt McCallany y Anna Torv, pueden parecer desdeñables, pero nada más lejos de la realidad. Yo incluso le encontré un punto psicopático a Holden. El que tiene cara de joven emprendedor en la foto. Es difícil de ver esto en un agente de la ley. Quizá Dexter. Pero esa es otra historia diferente y mucho más gorda.

Bill Tench es un agente experimentado, con ciertas reticencias a los nuevos retos pero que poco a poco va siendo ganado para la causa. Previsible, pero con intervenciones del realista confeso que vuelve a poner el tema nuevamente sobre la tierra. Y la profesora universitaria Wendy Carr cierra el trio, ella es el punto académico que no comprende de burocracia pero que la acata con convicción. Las relaciones personales de todos ellos ayuda a crear un conjunto singular y de aparente normalidad contribuyendo a eliminar cualquier posibilidad melodramática.

Producida por Netflix, sigue la estela de la calidad de otras como Narcos u Ozark. La coproducción es de Panic Pictures, responsable de House of Cards. Y la mitad de los capítulos los dirige David Fincher.  Pa qué más!

Recomendable, y mucho. Se esperan más temporadas.

 

 

 

 

The Young Pope. Paolo Sorrentino. 2016. Serie.

Con el paso del tiempo, Sorrentino cada vez está más cerca de a ser uno de los directores italianos que disfrutarán de la veneración de generaciones futuras. Y con pocas realizaciones a sus espaldas, la venerada La gran belleza o La juventud, ha demostrado una peculiar manera de hacer. Debes de contar las historias según tu manera, sólo tu manera le imprime una singularidad a tus creaciones. Cree en tí y los demás lo harán. Esta máxima verdadera, tan difundida por quienes son capaces de verbalizarlo e incapaces de ponerla en práctica, fundamente él su producción. Es la clave.

La ambientación de este director, su diégesis, su manera de recitar sus historias, que alcanzan tanto al guión como a las imágenes, provocan una persistencia en la mente y la  retina difícilmente inolvidables. Hipnótica.

Y como hablamos de la serie y no de otra cosa, es imperioso ver quien se hizo cargo del aspecto de Young Pope. Luca Bigazzi demostró su más profunda esencia. Tras participar como director de fotografía en las dos películas mencionadas, hasta ahora las mejores, e incluso únicas serias realizaciones de Sorrentino, vuelve ha cautivarnos con las mismas imágenes. Una muestra que incluye incluso hastalos títulos de crédito, utilizando metáforas visuales que a bien pocos se les escapan:

Irrevente en algunos casos, extravagante en otros, mordaz, narra los ambiguos pensamientos e intenciones de un Papa surgido de las maquinaciones de un cónclave manipulado y agradecido que puede provocar sin generar ideas contraproducentes para el lucro y la utilidad de la permanencia católica. Un Vaticano que puede tambalearse a pesar de la secular estabilidad que inconscientemente le otorgamos.

Jude Law interpreta a un Papa que con los años se convertirá, seguramente, en su mejor interpretación. Silvio Orlando en el papel de salvaguardo de los intereses históricos de una Iglesia al mismo tiempo eterna, al mismo tiempo efímera y frágil.

Sorrentino no deja impasible, puede gustarte e incluso encantarte, como a mí, pero también puede decepcionarte e incluso llegar a despreciarlo, pero con el tiempo se afianzará como uno de los realizadores que le pegue una patada al noble oficio de contar historias enseñando unas maneras nuevas de reflejar realidades y fantasías, de sueños y de pensamientos en el que futuras generaciones anclaran sus raíces. De Sica, Visconti o Fellini no predicaron en vano.

 

Atentos a los que creen en una Iglesia única, eterna e universal. Todo cambia.

Título original: The Young Pope (Il giovane papa)

Año: 2016.

País: Italia

Director: Paolo Sorrentino.

Guión: Umberto Contarello, Tony Grisoni, Stefano Rulli, Paolo Sorrentino

Música: Lele Marchitelli

Fotografía: Luca Bigazzi

Reparto: Jude Law, Diane Keaton, Silvio Orlando, Scott Sheperd, Cécile De France,Javier Cámara, Ludivine Sagnier, Toni Bertorelli, James Cromwell.

Productora: Coproducción Italia-Francia-Estados Unidos-España; Wildside / Sky Italia / Canal+ / HBO / Mediapro

 

 

Cardinal y Rebecka Martinsson. Series. 2017.

 

He tenido la suerte de poder visionar el primer capítulo de dos series estrenada a inicios de este 2017. Cardinal, canadiense y Rebecka Martinsson, sueca. Ambas se basan en novelas. Cardinal en la serie del escritor Giles Blunt y su protagonista John Cardinal, y Rebecka Martinsson basada en la abogada protagonista de las novelas de Åsa Larsson, quizá más conocidas que el anterior. Dos series potentes.

Tengo que proclamar mi rechazo natural a las novelas negras de autores de corte nórdico, no me parecen especialmente innovadoras, ni trascendentales, ni ingeniosas, pero cuando llegamos al tema de la imagen la cosa cambia.

Ambas series, a pesar de estar basadas en best-seller que a mi opinión no lo son tanto, gozan de una factura y de la utilización de unos recursos visuales que permiten clasificarlas como de una atracción especial, creando un estilo muy particular y propio. La dirección de fotografía corre a cargo de Petrus Sjövik y Steve Cosens, respectivamente.

La atracción está basada en el paisaje y en como la fotografía apoya una particular manera de tratar lo visual, minimalista, liberando las escenas de elementos accesorios. Muy sobrias, austeras y moderadas.

En el caso de Cardinal, la historia transcurre en pleno invierno, los mantos nevados fagocitan muchos de los componentes de planos generales y reducen los puntos de concentración del espectador donde quiere el director, en lo que es realmente importante y sustantivo de cada escena. Este ambiente, no frio, sino glacial, evita perderse en las cosas secundarias, provoca una sensación de no poder perder el tiempo en llamativas escenas, sino en acercarnos e introducirnos mucho más en el contenido de lo que nos cuentan.

En cambio, con Rebecka Martinsson la trama transcurre en el corto verano del norte de Suecia. Aquí se subrayan los mismos planteamientos estéticos pero cambiando el neutral blanco por el esplendoroso verde de los bosques. Pero logrando el mismo planteamiento de lograr la máxima expresión con los mínimos medios. Masas boscosas alternando con lagos, con carreteras que las recorren como cicatrices del terreno, siendo la sobriedad el elemento común.

Esta misma percepción, aún tratando con paisajes diferentes se consigue gracias a la luz. Una luz tamizada, nórdica que atempera los colores, los vuelve apagados, predominando los pardos, los grises, sin luz directa, sin sombras, y donde la luz artificial juega un papel muy importante.

Esto no quiere decir que ambas series sean iguales, cambia del entorno, urbano, policial y procedimental de Cardinal, al rural, psicológico y sentimental de Rebecka. A elegir, pero ambas muy dignamente conseguidas.

Unas series para disfrutar de unas intenciones cinematográficas alejadas de los canales habituales.

 

Feud. Serie. 2017.

El cine que habla del cine se le conoce como metacine. ¿Pero cómo se llama una serie que habla del cine? ¿metaserie, metacineserie, metaseriecine? En cualquier caso, si eres amante, devoto, idólatra o incluso un poco friki del cine, no debes perderte Feud, una serie donde los pormenores y menudencias de la industria del cine de principios de los sesenta en Hollywood quedan al descubierto.

Tras repasar en otro post la película ¿Qué fue de Baby Jane? volvemos sobre ella con Feud como excusa.

Por partes.

Para empezar dos bestias de la interpretación: Susan Sarandon, en el papel de Bette Davis, y Jessica Lange, en el de Joan Crawford. Sólo con esto es suficiente para convencer al más reacio.

Además, es un aliciente la época en la que transcurre, principios de los sesenta, en el que la historia de Hollywood empezaba a transitar hacia el verdadero negocio del cine que vivimos actualmente, y donde las estrellas y sus maravillas interpretativas cada vez pesaban menos en el éxito taquillero de las películas.

La trama. La vicisitudes por las que atravesaron los integrantes de dos cintas míticas: ¿Qué fue de Baby Jane? y Canción de cuna para un cadáver, ambas dirigidas por un Robert Aldrich que se nos presenta como un verdadero malabarista a la hora de llevar adelante la dirección de estos dos filmes por un doble motivo: dirigiendo a dos estrellas en sus horas bajas y lidiando, al mismo tiempo, con los estudios punteros del momento: la Warner y la 20th Century Fox.

Siempre se ha aludido a la rivalidad Davis-Crawford como uno de los sellos identificativos de las dos películas. Pero la serie rompe este mito. Es verdad que existía, pero no hasta el grado que se publicitó en su momento. El señor Warner empezaba a manipular el marketing cinematográfico. En realidad ambas actrices hacían un frente común ya que su objetivo era el mismo: relanzar sus carreras. Aunque no estaban de acuerdo con todo. Pero lo hicieron de manera distinta.

Joan Crawford, intentaba mantener sus estatus de icono del cine, bella, sensual, magnífica, mientras que Bette Davis intentó en ¿Qué fue de Baby Jane? evolucionar en su profesión, pretendiendo establecer como base, la calidad artística de sus interpretaciones. Es proverbial su primera aparición en el rodaje, en el que dejó boquiabiertos a todos con una caracterización realizada por ella misma de una patética vieja que se resistía a abandonar su antiguo papel de estrella infantil, una imágen icónica del cine.

La historia del rodaje de ambas películas se cuentan a partir del testimonio de otras actrices coetáneas, como Joan Blondell y Olivia de Havilland en 1978, en el Dorothy Chandler Pavilion, donde la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas celebró su Entrega Anual de Premios con el mismo nombre entre 1969 y 1987.

Creo que solamente lo dicho hasta aquí es suficiente para devorar la serie. Por si no fuera suficiente, los secundarios que arropan a semejantes actrices son espectaculares:

Y ahora pasamos a los chismorreos. No es que sea importante, pero endulza la vida.

¿Sabías que Bette Davis colocó a su hija en la película? Sí, la vecina de las hermanas Hudson a la que tiene que torear Baby Jane es su propia hija, Barbara Merrill, que utilizó en el reparto el apellido de su padre.

¿Sabías que Joan Crawford fue sustituida en Canción de cuna para un cadáver por Olivia de Havilland porque fingió una enfermedad al enterarse de que Bette Davis era la productora de la película y tenía poder de decisión sobre el rodaje? Le costó una gran indemnización y fue el principio del fin.

Bette Davis fue nominada al Oscar como mejor actriz por ¿Qué fue de Baby Jane?, pero ¿Sabías que Joan Crawford se las apañó para recoger el Oscar en 1962? Lo hizo en nombre de Anne Bancroft, la ganadora, por El milagro de Anna Sullivan, cuando ni siquiera estaba nominada, dejando como perdedora en el patio de butacas a una atónita Bette en una difícil situación.

Feud nos cuenta éstas y muchas otras más intrahistorias. Un buen metacine en tan sólo ocho episodios de 45 minutos. Nadie dio más por menos.

No te la pierdas.

 

Dexter. 2006

Este post es recordatorio. He visto Drexter. Sí, ya se que casi todos la han visto. Yo quizás soy de uno de esos que todavía no se había puesto. Netflix me conectó y me puse manos a la obra. Los capítulos cayeron uno detrás de otro sin la mayor vergüenza ni descanso. Me gustó. No esperaba lo que vi.

La serie transcurre en Miami. ¿Para qué más? Si partimos de las comparaciones, este no es el Miami glamuroso que nos presenta CSI. Mucho más natural y rebajando las pretensiones de lujo mantiene ese color pastel que imprime el ambiente art deco de la ciudad. Con el mar siempre presente, el clima caluroso y la humedad se experimentan, los personajes sudando abundan. La fotografía y el arte, bien, bien.

Pero me esperaba algo gore, y lo es, pero va subiendo de tono conforme avanza la temporada y culmina en escenas muy fuertes, pero para ello como con vaselina, sin que nos diéramos cuenta, ¿verdad?. Llevábamos esperándolas desde los primeros capítulos.

¿Personajes? Latino, por supuesto, mujeriego y parlanchín; un negro, perdón afroamericano, pero con muy mala leche; una novia traumatizada y pardilla; una teniente trepa pero sentimental; una hermana medio tonta, medio lista. Todos con una esencia seductora.

Y Dexter, un técnico forense con una vida muy peculiar. Asesino y amigo. Ciudadano y psicópata. Vecino y lunático ¿A vosotros no os dio la impresión de que Dexter es original, innovador y un punto extravagante? Pocas veces encontramos narrar desde la razón del delincuente, y no me refiero a su vida, como hizo posteriormente Hannibal con mejor factura, sino desde su propio sufrimiento y su discutible o indiscutible código de conducta proporcionado por un padre consciente, como pocos, del verdaderol temperamento de su hijo, privado de la capacidad de sentir, lo bueno y lo malo. Ese creo que es el verdadero espíritu innovador de la serie.

El conocimiento que tiene Dexter de sí mismo y sus impulsos es abrumador. ¿Es un adicto? Vive al borde de la explosión, de intentar conseguir su dosis, en este caso, de víctima. En cualquier caso incluso padece cierto síndrome de abstinencia que lo acelera y le hace asumir riesgos. Sabe que todo puede acabar en cualquier momento y que el mundo conocerá su verdadera naturaleza.

No suelo pasar de la primera temporada de las series, no me gustan los giros de tuerca para convertir algo bueno en mediocre, porque, reconozcámoslo, es raro encontrar segundas y terceras y hasta octavas temporadas mejores que la primera. Pues con Dexter cometí el error de ver el primer capítulo de la segunda temporada, hasta ahí me sometió, y comienza con tal nivel… Igual, igual cae el segundo, y después….el tercero.

Buena serie, ¿no?

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Peaky Blinders. Serie. 2013

Los Shelby son los cabecillas de los Peaky Blinders. Los hombres de cuchillas en la gorra. Terror, gansterismo y mafia generalizada en la sucia Birmingham tras la Primera Guerra Mundial.

El negocio, las apuestas ilegales. Reparto de beneficios, para todos, también para la policía. Pero el ambiente se inflama cuando por error se roba un arsenal y el mismo Churchill toma cartas en el asunto. Su enviado lo resolverá, a cualquier precio. Y además de polis y bandas, también campan por la ciudad grupos anarquistas y respetados miembros del IRA, y a ellos también les interesan las armas. 3, 2, 1….

Sus fuentes son varias: «Broadwalk Empire», pero menos elitista y más barriobajera, en realidad está un poco más cerca de «Gangs of New York» y «El padrino», como no, en la que Thomas Shelby quiere convertir a la banda de su familia en un negocio legítimo, como Michael Corleone.

Maldiciones gitanas, neurosis de guerra, canales y barcazas, prostitutas en medio de lamentables condiciones de vida de los ciudadanos, en los inicios de la vida industrial. Los personajes con carácter: Thomas Shelby, el jefe del clan, de ojos gélidos y mirada implacable, cruel y familiar; Inspector Chester Campbell, nuevo jefe de policia, fanático moralista, encargado de encontrar las armas y a ser posible limpiar Birmingham; Grace Burgess, camarera y algo más que cara bonita, con su historia de amor; Aunt Polly, matriarca del clan y vigilante de métodos y estrategias; Arthur y John Shelby hermanos de Thomas, sometidos a la poderosa influencia de su hermano mediano, más humanos y quebradizos.

Estéticamente muy conseguida, sus premios BAFTA a la mejor dirección, mejor vestuario, mejor fotografía e iluminación la avalan.

Y si la historia tiene su parte de realidad conquista todavía más. Lo dicho la realidad supera la ficción, los Peaky existieron, la BBC en su web publicó la verdadera historia. Podéis leerla aquí

La banda sonora de la cabecera pertenece al gran Nick Cave y su Red Right Hand. Otro punto más a favor.

Él es un dios, él es un hombre,
él es un fantasma, él es un gurú

Hannibal. Serie. 2013-15.

Quizás sólo los amantes de lo psicológico, variante terror o manipulación, puedan valorar el verdadero alcance de Hannibal. Y los que no lo son, no crean que saldrán indemnes. Una historia que deja mella en las profundidades de nuestras convicciones éticas haciéndonos dudar, de si realmente nuestros instintos vitales son como creemos y se encuentran fuera de toda discusión o….. podemos llegar al horror. Eso depende de la empatía emocional de cada uno. Yo, que soy de fácil convencer, me indujo a la duda. Hannibal puede llegar a ser muy convincente.

Basada en el libro «Red Dragon» de Thomas Harris, ha conocido toda clase de remakes desde que se popularizara el Dr. Hannibal Lecter en «El silencio de los corderos» allá por 1991, protagonizada por Jodie Foster y Anthony Hopkins. Inolvidable.

Pero la serie parte de un inicio diferente, adaptada a las formalidades y duración de una serie, que cuenta con tres temporadas y treinta y nueve capítulos, comienza con el reclutamiento de Will Graham como analista de comportamiento por parte del FBI para atrapar a un asesino en serie. Los métodos de Will son muy «especiales», casi ultrasensoriales. Will recurre al Dr. Hannibal Lecter para que le ayude a cercar al asesino. A partir de aquí la mutua relación será el eje sobre el que se mueva la serie. Todo lo demás pasa a un segundo plano. Existen otros personajes, también principales, sin embargo, Will y Hannibal marcarán la frontera entre lo doméstico y lo transcendente y poco a poco introducirán en su dinámica al resto de personajes y a toda la trama.

Simple, ¿verdad?  Ja. Los mecanismos de la mente son impresvisibles, inabarcables e inexplicables. Pero hay quien sabe manejarlos, y a voluntad. Un tira y afloja continuo entre el deber y el instinto. Entre lo social y moralmente aceptable y los deseos más perversos.

«Los actos de crueldad extrema requieren de un alto nivel de empatía»

Pero Hannibal es elegante, sofisticado, erudito y encantador, hasta el punto que le proporciona un gran poder de seducción sobre todo aquel que se le aproxime. Yo incluido. Su ética es primaria, animal y pretende hacer partícipes y adeptos a ella, apoderándose de su raciocinio. Y lo hace muy bien. Tanto que puede llegar a hacer olvidarnos de nuestros principios. Yo lo hice.

Pero no creáis que todo es psicológico, la sangre también hace su aparición, en contadas ocasiones, pero de una crueldad extrema, con escenas que sorprenden primero y paralizan después.

HANNIBAL — «Hassun» Episode 203 — Pictured: (l-r) — (Photo by: Brooke Palmer/NBC)

Este aspecto brutal no es gratuito, tiene su justificación en la trama psicológica y en la percepción del mundo onírico que crean Will y Hannibal. Hay que tener los pies firmemente aferrados al suelo para no sucumbir a los desvarios del doctor, especialmente en temas gastronómicos, su cocina caníbal es digna de admiración, refinada, adaptada al gourmet, agradable y artística, evitando siempre lo repugnante, lo carnicero, funcionando siempre a través de lo implícito. ¡Ñam-ñam!

No apta para los políticamente correctos, ni para corazones estrechos.

Reparto principal:

Mads Mikkelsen. Hannibal.

Hugh Dancy. Will Graham

Caroline Dhavernas. Dra. Alana Bloom

Laurence Fishburne. Jack Crawford

Bloodline. Serie. 2015

No somos malas personas, pero hicimos algo malo.

Nadie quería que ocurriera pero acabó ocurriendo. Como dice John Rayburn: «A veces sabes que algo va a venir». Esta serie cuenta la historia de los Rayburn, unos hippies sesenteros que fundaron su paraíso en los cayos de Florida. Un hotel que regentan y que les ha convertido en una de las grandes familias de la zona. A ellos y a sus cuatro hijos. Pero también tienen su desgracia y su secreto. Y los secretos acaban saliendo a la luz y cobrándose sus réditos.

Hotel Rayburn House

Hasta aquí podría parecer una nueva serie de saga familiar como Dallas y sus Ewing. Pero no es así, ni mucho menos. Muy apropiada para ver en ella una buena historia y puesta en escena neonoir. Un ambiente que tiene algo de Hemingway, del que su El viejo y el mar se me apareció en numerosas ocasiones, y de las viejas historia de venganza y rencor en el seno familiar. El destino siempre está presente, y es fatal.

Con un inicio un poco lento, poco a poco el encantador y placentero hotel se va convirtiendo en un infierno. El drama familiar cede terrero a una investigación policial y acaban coexistiendo ambos. Algunos críticos clasifican esta serie como un family noir dentro del género.

Una endémica historia sobre quién, cómo y el porqué de los Rayburn, como han llegado a convertirse en lo que son. Con un comienzo idílico, la vida de los Rayburn comenzará a derrumbarse con la vuelta a casa de Danny, el hijo mayor apartado de la familia, oveja negra y que se sospecha que ha llevado una vida disoluta. Y Danny viene a recordar un gran pecado, y a cobrar. Y todos le temen. Los continuos flashback de la serie aclaran y proponen, anuncian y esconden, manteniendo viva la curiosidad. Una manera de narrar muy atractiva.

La serie juega con la sospecha y con un traslado constante entre las simpatías y los odios de un personaje a otro: Robert Rayburn, padre onmipotente y omnipresente; Sally, la madre naif;  John, policia del departamento de Isla Morada donde transcurre la acción: Kevin, hermano menor con tendencias alcohólicas y violentas, un Peter Pan; Meg, la pequeña de la casa, abogada y Danny, el mayor, con muchos agravios en su cuerpo. Unos personajes marcados por la culpa y los remordimientos.

A modo de curiosidad, dos de sus actores han sido nominados a los premios Emmy 2015: Kyle Chandler (John) como Mejor Actor en una Serie Dramática y Ben Mendelsohn como Mejor Actor de Reparto en una Serie Dramática por el papel de Danny Rayburn, verdadero motor dramático de toda la historia. Ayer se repartieron los premios y ninguno de ellos se llevó el premio. Poca recompensa para tan buen trabajo.

Buen Neonoir.