Mindhunter. Serie. 2017

mindhunter_todo_negro_josevi_blenderAsombrado por la capacidad de invención e innovación de la seriofilia americana. Una renovación visual y narrativa del mundo noir.

Podríamos fijarnos en la archiconocida Mentes Criminales, la primera que estableció como premisa la psicología de genios del sadismo y la barbarie a la hora de cometer un crimen, pero Mindhunter le vuelve a dar una vuelta de tuerca.

Recrea los años en que se puso en marcha la división de análisis de conducta criminal por parte del F.B.I., allá por los 70.

Bucearemos, como no, en los primeros intentos de convencer a las autoridades encargadas de la materia criminal sobre la importancia de los perfiles de los asesinos para así, poder identificar sus maléficos propósitos. Una serie que manifiesta la falta de miras de una administración americana pero aplicable a muchas otras, ejem, ejem, sobre cualquier tipo de innovación de las ideas. Crítica social. Los ordinarios planteamientos oficiales necesitan de serios revulsivos para adoptar nuevos enfoques.

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Pero no sólo eso, tiene más cosas. En pocas series, el principal impacto la tiene un personaje secundario. Es reconocida, por todos los que la han visto, la espeluznante interpretación del actor Cameron Britton del personaje de Ed Kamper, un asesino que se inició con quince años asesinando a sus abuelos. Se ganó el título de “Co-Ed Killer” (asesino de colegialas) al asesinar a seis mujeres jóvenes estudiantes, además de a su madre.  Decapitaciones y demás. La entrevista a este perverso individuo en la serie es uno de sus platos fuertes. Verdaderamente impactante.

Pero con él, ni comienza ni termina la serie, otros grandes asesino de mentes retorcidas nos ofrecen sus testimonios del cómo y porqué realizaron las atrocidades por las que están condenados. Unos minutos de morbosa exhibición que no deja indiferente. Monte Rissell o Jerry Brudos son otros de los insignes homicidas de los que seremos testigos de sus desmanes contados de su propia mano.

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Tras estos impactantes testimonios, los papeles de Jonathan Groff, Holt McCallany y Anna Torv, pueden parecer desdeñables, pero nada más lejos de la realidad. Yo incluso le encontré un punto psicopático a Holden. El que tiene cara de joven emprendedor en la foto. Es difícil de ver esto en un agente de la ley. Quizá Dexter. Pero esa es otra historia diferente y mucho más gorda.

Bill Tench es un agente experimentado, con ciertas reticencias a los nuevos retos pero que poco a poco va siendo ganado para la causa. Previsible, pero con intervenciones del realista confeso que vuelve a poner el tema nuevamente sobre la tierra. Y la profesora universitaria Wendy Carr cierra el trio, ella es el punto académico que no comprende de burocracia pero que la acata con convicción. Las relaciones personales de todos ellos ayuda a crear un conjunto singular y de aparente normalidad contribuyendo a eliminar cualquier posibilidad melodramática.

Producida por Netflix, sigue la estela de la calidad de otras como Narcos u Ozark. La coproducción es de Panic Pictures, responsable de House of Cards. Y la mitad de los capítulos los dirige David Fincher.  Pa qué más!

Recomendable, y mucho. Se esperan más temporadas.

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The Young Pope. Paolo Sorrentino. 2016. Serie.

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Con el paso del tiempo, Sorrentino cada vez está más cerca de a ser uno de los directores italianos que disfrutarán de la veneración de generaciones futuras. Y con pocas realizaciones a sus espaldas, la venerada La gran belleza o La juventud, ha demostrado una peculiar manera de hacer. Debes de contar las historias según tu manera, sólo tu manera le imprime una singularidad a tus creaciones. Cree en tí y los demás lo harán. Esta máxima verdadera, tan difundida por quienes son capaces de verbalizarlo e incapaces de ponerla en práctica, fundamente él su producción. Es la clave.

La ambientación de este director, su diégesis, su manera de recitar sus historias, que alcanzan tanto al guión como a las imágenes, provocan una persistencia en la mente y la  retina difícilmente inolvidables. Hipnótica.

Y como hablamos de la serie y no de otra cosa, es imperioso ver quien se hizo cargo del aspecto de Young Pope. Luca Bigazzi demostró su más profunda esencia. Tras participar como director de fotografía en las dos películas mencionadas, hasta ahora las mejores, e incluso únicas serias realizaciones de Sorrentino, vuelve ha cautivarnos con las mismas imágenes. Una muestra que incluye incluso hastalos títulos de crédito, utilizando metáforas visuales que a bien pocos se les escapan:

Irrevente en algunos casos, extravagante en otros, mordaz, narra los ambiguos pensamientos e intenciones de un Papa surgido de las maquinaciones de un cónclave manipulado y agradecido que puede provocar sin generar ideas contraproducentes para el lucro y la utilidad de la permanencia católica. Un Vaticano que puede tambalearse a pesar de la secular estabilidad que inconscientemente le otorgamos.

Jude Law interpreta a un Papa que con los años se convertirá, seguramente, en su mejor interpretación. Silvio Orlando en el papel de salvaguardo de los intereses históricos de una Iglesia al mismo tiempo eterna, al mismo tiempo efímera y frágil.

2017-07-21 22.18.31silvio orlandoSorrentino no deja impasible, puede gustarte e incluso encantarte, como a mí, pero también puede decepcionarte e incluso llegar a despreciarlo, pero con el tiempo se afianzará como uno de los realizadores que le pegue una patada al noble oficio de contar historias enseñando unas maneras nuevas de reflejar realidades y fantasías, de sueños y de pensamientos en el que futuras generaciones anclaran sus raíces. De Sica, Visconti o Fellini no predicaron en vano.

 

Atentos a los que creen en una Iglesia única, eterna e universal. Todo cambia.

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Título original: The Young Pope (Il giovane papa)

Año: 2016.

País: Italia

Director: Paolo Sorrentino.

Guión: Umberto Contarello, Tony Grisoni, Stefano Rulli, Paolo Sorrentino

Música: Lele Marchitelli

Fotografía: Luca Bigazzi

Reparto: Jude Law, Diane Keaton, Silvio Orlando, Scott Sheperd, Cécile De France,Javier Cámara, Ludivine Sagnier, Toni Bertorelli, James Cromwell.

Productora: Coproducción Italia-Francia-Estados Unidos-España; Wildside / Sky Italia / Canal+ / HBO / Mediapro

 

 

Cardinal y Rebecka Martinsson. Series. 2017.

 

He tenido la suerte de poder visionar el primer capítulo de dos series estrenada a inicios de este 2017. Cardinal, canadiense y Rebecka Martinsson, sueca. Ambas se basan en novelas. Cardinal en la serie del escritor Giles Blunt y su protagonista John Cardinal, y Rebecka Martinsson basada en la abogada protagonista de las novelas de Åsa Larsson, quizá más conocidas que el anterior. Dos series potentes.

Tengo que proclamar mi rechazo natural a las novelas negras de autores de corte nórdico, no me parecen especialmente innovadoras, ni trascendentales, ni ingeniosas, pero cuando llegamos al tema de la imagen la cosa cambia.

Ambas series, a pesar de estar basadas en best-seller que a mi opinión no lo son tanto, gozan de una factura y de la utilización de unos recursos visuales que permiten clasificarlas como de una atracción especial, creando un estilo muy particular y propio. La dirección de fotografía corre a cargo de Petrus Sjövik y Steve Cosens, respectivamente.

La atracción está basada en el paisaje y en como la fotografía apoya una particular manera de tratar lo visual, minimalista, liberando las escenas de elementos accesorios. Muy sobrias, austeras y moderadas.

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En el caso de Cardinal, la historia transcurre en pleno invierno, los mantos nevados fagocitan muchos de los componentes de planos generales y reducen los puntos de concentración del espectador donde quiere el director, en lo que es realmente importante y sustantivo de cada escena. Este ambiente, no frio, sino glacial, evita perderse en las cosas secundarias, provoca una sensación de no poder perder el tiempo en llamativas escenas, sino en acercarnos e introducirnos mucho más en el contenido de lo que nos cuentan.

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En cambio, con Rebecka Martinsson la trama transcurre en el corto verano del norte de Suecia. Aquí se subrayan los mismos planteamientos estéticos pero cambiando el neutral blanco por el esplendoroso verde de los bosques. Pero logrando el mismo planteamiento de lograr la máxima expresión con los mínimos medios. Masas boscosas alternando con lagos, con carreteras que las recorren como cicatrices del terreno, siendo la sobriedad el elemento común.

Esta misma percepción, aún tratando con paisajes diferentes se consigue gracias a la luz. Una luz tamizada, nórdica que atempera los colores, los vuelve apagados, predominando los pardos, los grises, sin luz directa, sin sombras, y donde la luz artificial juega un papel muy importante.

Esto no quiere decir que ambas series sean iguales, cambia del entorno, urbano, policial y procedimental de Cardinal, al rural, psicológico y sentimental de Rebecka. A elegir, pero ambas muy dignamente conseguidas.

Unas series para disfrutar de unas intenciones cinematográficas alejadas de los canales habituales.

 

Feud. Serie. 2017.

feud_bette_and_joan_tv_series-120644719-largeEl cine que habla del cine se le conoce como metacine. ¿Pero cómo se llama una serie que habla del cine? ¿metaserie, metacineserie, metaseriecine? En cualquier caso, si eres amante, devoto, idólatra o incluso un poco friki del cine, no debes perderte Feud, una serie donde los pormenores y menudencias de la industria del cine de principios de los sesenta en Hollywood quedan al descubierto.

Tras repasar en otro post la película ¿Qué fue de Baby Jane? volvemos sobre ella con Feud como excusa.

Por partes.

Para empezar dos bestias de la interpretación: Susan Sarandon, en el papel de Bette Davis, y Jessica Lange, en el de Joan Crawford. Sólo con esto es suficiente para convencer al más reacio.

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Además, es un aliciente la época en la que transcurre, principios de los sesenta, en el que la historia de Hollywood empezaba a transitar hacia el verdadero negocio del cine que vivimos actualmente, y donde las estrellas y sus maravillas interpretativas cada vez pesaban menos en el éxito taquillero de las películas.

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La trama. La vicisitudes por las que atravesaron los integrantes de dos cintas míticas: ¿Qué fue de Baby Jane? y Canción de cuna para un cadáver, ambas dirigidas por un Robert Aldrich que se nos presenta como un verdadero malabarista a la hora de llevar adelante la dirección de estos dos filmes por un doble motivo: dirigiendo a dos estrellas en sus horas bajas y lidiando, al mismo tiempo, con los estudios punteros del momento: la Warner y la 20th Century Fox.

Siempre se ha aludido a la rivalidad Davis-Crawford como uno de los sellos identificativos de las dos películas. Pero la serie rompe este mito. Es verdad que existía, pero no hasta el grado que se publicitó en su momento. El señor Warner empezaba a manipular el marketing cinematográfico. En realidad ambas actrices hacían un frente común ya que su objetivo era el mismo: relanzar sus carreras. Aunque no estaban de acuerdo con todo. Pero lo hicieron de manera distinta.

Joan Crawford, intentaba mantener sus estatus de icono del cine, bella, sensual, magnífica, mientras que Bette Davis intentó en ¿Qué fue de Baby Jane? evolucionar en su profesión, pretendiendo establecer como base, la calidad artística de sus interpretaciones. Es proverbial su primera aparición en el rodaje, en el que dejó boquiabiertos a todos con una caracterización realizada por ella misma de una patética vieja que se resistía a abandonar su antiguo papel de estrella infantil, una imágen icónica del cine.

La historia del rodaje de ambas películas se cuentan a partir del testimonio de otras actrices coetáneas, como Joan Blondell y Olivia de Havilland en 1978, en el Dorothy Chandler Pavilion, donde la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas celebró su Entrega Anual de Premios con el mismo nombre entre 1969 y 1987.

Creo que solamente lo dicho hasta aquí es suficiente para devorar la serie. Por si no fuera suficiente, los secundarios que arropan a semejantes actrices son espectaculares:

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Y ahora pasamos a los chismorreos. No es que sea importante, pero endulza la vida.

¿Sabías que Bette Davis colocó a su hija en la película? Sí, la vecina de las hermanas Hudson a la que tiene que torear Baby Jane es su propia hija, Barbara Merrill, que utilizó en el reparto el apellido de su padre.

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¿Sabías que Joan Crawford fue sustituida en Canción de cuna para un cadáver por Olivia de Havilland porque fingió una enfermedad al enterarse de que Bette Davis era la productora de la película y tenía poder de decisión sobre el rodaje? Le costó una gran indemnización y fue el principio del fin.

Bette Davis fue nominada al Oscar como mejor actriz por ¿Qué fue de Baby Jane?, pero ¿Sabías que Joan Crawford se las apañó para recoger el Oscar en 1962? Lo hizo en nombre de Anne Bancroft, la ganadora, por El milagro de Anna Sullivan, cuando ni siquiera estaba nominada, dejando como perdedora en el patio de butacas a una atónita Bette en una difícil situación.

Feud nos cuenta éstas y muchas otras más intrahistorias. Un buen metacine en tan sólo ocho episodios de 45 minutos. Nadie dio más por menos.

No te la pierdas.

 

Dexter. 2006

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Este post es recordatorio. He visto Drexter. Sí, ya se que casi todos la han visto. Yo quizás soy de uno de esos que todavía no se había puesto. Netflix me conectó y me puse manos a la obra. Los capítulos cayeron uno detrás de otro sin la mayor vergüenza ni descanso. Me gustó. No esperaba lo que vi.

La serie transcurre en Miami. ¿Para qué más? Si partimos de las comparaciones, este no es el Miami glamuroso que nos presenta CSI. Mucho más natural y rebajando las pretensiones de lujo mantiene ese color pastel que imprime el ambiente art deco de la ciudad. Con el mar siempre presente, el clima caluroso y la humedad se experimentan, los personajes sudando abundan. La fotografía y el arte, bien, bien.

Pero me esperaba algo gore, y lo es, pero va subiendo de tono conforme avanza la temporada y culmina en escenas muy fuertes, pero para ello como con vaselina, sin que nos diéramos cuenta, ¿verdad?. Llevábamos esperándolas desde los primeros capítulos.

¿Personajes? Latino, por supuesto, mujeriego y parlanchín; un negro, perdón afroamericano, pero con muy mala leche; una novia traumatizada y pardilla; una teniente trepa pero sentimental; una hermana medio tonta, medio lista. Todos con una esencia seductora.

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Y Dexter, un técnico forense con una vida muy peculiar. Asesino y amigo. Ciudadano y psicópata. Vecino y lunático ¿A vosotros no os dio la impresión de que Dexter es original, innovador y un punto extravagante? Pocas veces encontramos narrar desde la razón del delincuente, y no me refiero a su vida, como hizo posteriormente Hannibal con mejor factura, sino desde su propio sufrimiento y su discutible o indiscutible código de conducta proporcionado por un padre consciente, como pocos, del verdaderol temperamento de su hijo, privado de la capacidad de sentir, lo bueno y lo malo. Ese creo que es el verdadero espíritu innovador de la serie.

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El conocimiento que tiene Dexter de sí mismo y sus impulsos es abrumador. ¿Es un adicto? Vive al borde de la explosión, de intentar conseguir su dosis, en este caso, de víctima. En cualquier caso incluso padece cierto síndrome de abstinencia que lo acelera y le hace asumir riesgos. Sabe que todo puede acabar en cualquier momento y que el mundo conocerá su verdadera naturaleza.

No suelo pasar de la primera temporada de las series, no me gustan los giros de tuerca para convertir algo bueno en mediocre, porque, reconozcámoslo, es raro encontrar segundas y terceras y hasta octavas temporadas mejores que la primera. Pues con Dexter cometí el error de ver el primer capítulo de la segunda temporada, hasta ahí me sometió, y comienza con tal nivel… Igual, igual cae el segundo, y después….el tercero.

Buena serie, ¿no?

 

 

 

Peaky Blinders. Serie. 2013

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Los Shelby son los cabecillas de los Peaky Blinders. Los hombres de cuchillas en la gorra. Terror, gansterismo y mafia generalizada en la sucia Birmingham tras la Primera Guerra Mundial.

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El negocio, las apuestas ilegales. Reparto de beneficios, para todos, también para la policía. Pero el ambiente se inflama cuando por error se roba un arsenal y el mismo Churchill toma cartas en el asunto. Su enviado lo resolverá, a cualquier precio. Y además de polis y bandas, también campan por la ciudad grupos anarquistas y respetados miembros del IRA, y a ellos también les interesan las armas. 3, 2, 1….

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Sus fuentes son varias: “Broadwalk Empire”, pero menos elitista y más barriobajera, en realidad está un poco más cerca de “Gangs of New York” y “El padrino”, como no, en la que Thomas Shelby quiere convertir a la banda de su familia en un negocio legítimo, como Michael Corleone.

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Maldiciones gitanas, neurosis de guerra, canales y barcazas, prostitutas en medio de lamentables condiciones de vida de los ciudadanos, en los inicios de la vida industrial. Los personajes con carácter: Thomas Shelby, el jefe del clan, de ojos gélidos y mirada implacable, cruel y familiar; Inspector Chester Campbell, nuevo jefe de policia, fanático moralista, encargado de encontrar las armas y a ser posible limpiar Birmingham; Grace Burgess, camarera y algo más que cara bonita, con su historia de amor; Aunt Polly, matriarca del clan y vigilante de métodos y estrategias; Arthur y John Shelby hermanos de Thomas, sometidos a la poderosa influencia de su hermano mediano, más humanos y quebradizos.

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Estéticamente muy conseguida, sus premios BAFTA a la mejor dirección, mejor vestuario, mejor fotografía e iluminación la avalan.

Y si la historia tiene su parte de realidad conquista todavía más. Lo dicho la realidad supera la ficción, los Peaky existieron, la BBC en su web publicó la verdadera historia. Podéis leerla aquí

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La banda sonora de la cabecera pertenece al gran Nick Cave y su Red Right Hand. Otro punto más a favor.

Él es un dios, él es un hombre,
él es un fantasma, él es un gurú

Hannibal. Serie. 2013-15.

Quizás sólo los amantes de lo psicológico, variante terror o manipulación, puedan valorar el verdadero alcance de Hannibal. Y los que no lo son, no crean que saldrán indemnes. Una historia que deja mella en las profundidades de nuestras convicciones éticas haciéndonos dudar, de si realmente nuestros instintos vitales son como creemos y se encuentran fuera de toda discusión o….. podemos llegar al horror. Eso depende de la empatía emocional de cada uno. Yo, que soy de fácil convencer, me indujo a la duda. Hannibal puede llegar a ser muy convincente.

Basada en el libro “Red Dragon” de Thomas Harris, ha conocido toda clase de remakes red_dragondesde que se popularizara el Dr. Hannibal Lecter en “El silencio de los corderos” allá por 1991, protagonizada por Jodie Foster y Anthony Hopkins. Inolvidable.

Pero la serie parte de un inicio diferente, adaptada a las formalidades y duración de una serie, que cuenta con tres temporadas y treinta y nueve capítulos, comienza con el reclutamiento de Will Graham como analista de comportamiento por parte del FBI para atrapar a un asesino en serie. Los métodos de Will son muy “especiales”, casi ultrasensoriales. Will recurre al Dr. Hannibal Lecter para que le ayude a cercar al asesino. A partir de aquí la mutua relación será el eje sobre el que se mueva la serie. Todo lo demás pasa a un segundo plano. Existen otros personajes, también principales, sin embargo, Will y Hannibal marcarán la frontera entre lo doméstico y lo transcendente y poco a poco introducirán en su dinámica al resto de personajes y a toda la trama.

Simple, ¿verdad?  Ja. Los mecanismos de la mente son impresvisibles, inabarcables e inexplicables. Pero hay quien sabe manejarlos, y a voluntad. Un tira y afloja continuo entre el deber y el instinto. Entre lo social y moralmente aceptable y los deseos más perversos.

“Los actos de crueldad extrema requieren de un alto nivel de empatía”

Pero Hannibal es elegante, sofisticado, erudito y encantador, hasta el punto que le proporciona un gran poder de seducción sobre todo aquel que se le aproxime. Yo incluido. Su ética es primaria, animal y pretende hacer partícipes y adeptos a ella, apoderándose de su raciocinio. Y lo hace muy bien. Tanto que puede llegar a hacer olvidarnos de nuestros principios. Yo lo hice.

Pero no creáis que todo es psicológico, la sangre también hace su aparición, en contadas ocasiones, pero de una crueldad extrema, con escenas que sorprenden primero y paralizan después.

Este aspecto brutal no es gratuito, tiene su justificación en la trama psicológica y en la percepción del mundo onírico que crean Will y Hannibal. Hay que tener los pies firmemente aferrados al suelo para no sucumbir a los desvarios del doctor, especialmente en temas gastronómicos, su cocina caníbal es digna de admiración, refinada, adaptada al gourmet, agradable y artística, evitando siempre lo repugnante, lo carnicero, funcionando siempre a través de lo implícito. ¡Ñam-ñam!

No apta para los políticamente correctos, ni para corazones estrechos.

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