Glacé. Serie. 2016

glace_todo_negro_josevi_blender_cartelUn intento francés de estar a la altura de los nórdicos. Salvando las diferencias se acercan a las propuestas estéticas, psicológicas y argumentales de éstos.

El capitán Servaz, creado de la pluma de Bernard Minier, un autor de novelas muy en la línea del polar francés, nos remite esta vez a una producción audiovisual donde la nieve y el frío es tan protagonista como en las mejores series del norte de Europa. Muy individualista, muy psicológica marcando las mentes de los protagonistas como punto fuerte de su propuesta. bernard_minier_todo_negro_josevi_blender

Hirtmann, un asesino en serie surgido de las mismas entrañas del cuerpo policial, frío, severo, manipulador y de personalidad odiosa, cuya única preocupación es seguir manipulando las vidas de todos los que les rodean a través las grietas y traumas de unas personalidades socialmente incapaces de aceptar los juegos de vida y muerte que el asesino les plantea.

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Basada en la novela Bajo el hielo, goza de profundos sentimientos que se sienten en bajo un ambiente congelado, distancia, desconfianza, en un valle de los Pirineos. De camino al trabajo, los empleados de una planta hidroeléctrica descubren el cuerpo de un caballo decapitado suspendido en la cara helada de la montaña. La investigación es llevada a cabo por Servaz, que siempre actuando por su instinto le lleva al caso más extraño de toda su carrera. ¿Qué motivos podría tener alguien para asesinar a un caballo a dos mil metros de altitud? Todo indica que éste es sólo el principio de una larga pesadilla. Y así es.

Psiquiátricos, psquiatras y empleados con cosas que ocultar, policías comprometidos con algo más que su trabajo, poderosos que inflaman las pesquisas policiales, fuerzas vivas del pueblo que se permiten deslices protegidos por sus cargos.

Seis capítulos que se ven en un santiamén.

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No offence. Serie. 2015.

nooffence_cartel_Todo_negroLos británicos vuelven a la carga. Tras una clase de historia con The Crow, Downton Abbey o Taboo, retornamos a la realidad negra en la línea de Happy Valley , actual, de tiempos modernos, una pandilla de la comisaría de Manchester, reino y sede, profundamente humanos con su cotidianidad terrenal como bandera. Una serie sin grandes fuegos artificiales que va luchando por su hueco tributario al boca a boca en la marabunta seriéfila.

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Una patada a la postiza seriedad de muchas series policíacas. He llegado a creer que su única finalidad era rechazar cualquier tipo de gravedad y circunspección utilizando sabiamente la construcción de diálogos y sus herramientas para eliminarla. Fuera melodramatismos innecesarios con una sola frase o una sola imagen, porque en esto de la representación visual, una imagen suple a mil palabras.

Para ello están la inspectora Vivienne Deering, oronda, desprejuiciada y práctica en cuanto al funcionamiento del mundo de de la investigación criminal. Y las detective Dinah y Joy, de distintos temperamentos pero con unas ideas claras de su misión en este cuerpo policial. Tres mujeres, diferentes pero cómplices si nos atenemos a la resolución de la primera temporada. El plantes se completa con dos hombres el detective Spike criado en los bajos fondos y de amplio bagaje policial y el jefe McLaren supeditado a la buena imagen de la policía metropolitana. Y no se acaba en ellos, todo un plantel de los más variados géneros humanos y policiales.

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Yo que soy poco dado a segundas temporadas, No Offence me convenció indiscutiblemente a continuar con ella. Dos temporadas con tramas muy diferentes, una de implicaciones más personales y otra con las bandas mafiosas con telón de fondo. Recomendables ambas, por geniales, por políticamente incorrecta. Ocho capítulos de sesenta minutos. Ligera y especial, dos adjetivos al pelo.

Nominada a los premios BAFTA 2016 a la mejor serie dramática, ha sido creada por Paul Abbott entre cuyos logros se encuentra la inclasificable Shameless.

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Sorjonen. Serie. 2016

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Comenzamos el año a lo fuerte. Serie nórdica, finlandesa más concretamente, Sorjonen es una muestra más del despegue de las tierras del norte. La creación de series policiales de éxito e internacionalización es apabullante. Rebecka Martinsson, Forbrydelsen o Cardinal, canadiense, también del frío. ¿dónde está el éxito?

Más interioridades nórdicas. Sigo cayendo presa del planteamiento boreal más estético e interpretativo que argumentativo. Y es que cada uno tiene sus debilidades. Un falso sosiego enmascara mucha violencia latente. Una luz permanentemente gris, con líneas y formas simples, minimalismo, nada de ornamentación. Resultado envolvente poco acostumbrado por estas tierras sureñas.

 

Temas vicio-poder, drogas, corrupción política. Ya lo digo, el argumento secundario. Bajos instintos, preeminencia social. Con el salvajismo propio de estas regiones.

Sorjonen, también presentada como Bordertown (Ciudad perdida), hace gala de un arte frío, acompañada de colores sombríos, faltos de la luz natural propia del lugar donde sucede, Lappeenranta, una ciudad fronteriza entre Finlandia y Rusia, cerca de San Petesburgo, escenario también de la serie.

El personaje principal, nuestro jefe Sorjonen, es un tipo bastante más extraño de lo habitual, no tanto un inadaptado como un visionario al margen de procedimientos policiales habituales, más un loco alquimista que un frustrado social. Disfruta de la protección intelectual de sus superiores por su demostrada competencia.

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Con profusión de planos cenitales, estos drones han revolucionado los planos, no permite despegar los ojos de la pantalla, variando continuamente la manera de implicarnos en la historia. Tiene una cabecera de las mejores que he visto últimamente.

Ah! y mucha mujer en el reparto principal, de muy variados carácteres aunque los malos siempre son los hombres.

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Creada por Miikko Oikkonen, esa su vez es director de los once episodios de esta primera temporada, que si bien no es un neófito, su trabajo únicamente lo ha desarrollado en el ámbito finlandés. Dado el éxito de la serie su productora, Fisher King Production, ya está planeando la segunda entrega. Potencia del siglo XXI.

 

Mindhunter. Serie. 2017

mindhunter_todo_negro_josevi_blenderAsombrado por la capacidad de invención e innovación de la seriofilia americana. Una renovación visual y narrativa del mundo noir.

Podríamos fijarnos en la archiconocida Mentes Criminales, la primera que estableció como premisa la psicología de genios del sadismo y la barbarie a la hora de cometer un crimen, pero Mindhunter le vuelve a dar una vuelta de tuerca.

Recrea los años en que se puso en marcha la división de análisis de conducta criminal por parte del F.B.I., allá por los 70.

Bucearemos, como no, en los primeros intentos de convencer a las autoridades encargadas de la materia criminal sobre la importancia de los perfiles de los asesinos para así, poder identificar sus maléficos propósitos. Una serie que manifiesta la falta de miras de una administración americana pero aplicable a muchas otras, ejem, ejem, sobre cualquier tipo de innovación de las ideas. Crítica social. Los ordinarios planteamientos oficiales necesitan de serios revulsivos para adoptar nuevos enfoques.

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Pero no sólo eso, tiene más cosas. En pocas series, el principal impacto la tiene un personaje secundario. Es reconocida, por todos los que la han visto, la espeluznante interpretación del actor Cameron Britton del personaje de Ed Kamper, un asesino que se inició con quince años asesinando a sus abuelos. Se ganó el título de “Co-Ed Killer” (asesino de colegialas) al asesinar a seis mujeres jóvenes estudiantes, además de a su madre.  Decapitaciones y demás. La entrevista a este perverso individuo en la serie es uno de sus platos fuertes. Verdaderamente impactante.

Pero con él, ni comienza ni termina la serie, otros grandes asesino de mentes retorcidas nos ofrecen sus testimonios del cómo y porqué realizaron las atrocidades por las que están condenados. Unos minutos de morbosa exhibición que no deja indiferente. Monte Rissell o Jerry Brudos son otros de los insignes homicidas de los que seremos testigos de sus desmanes contados de su propia mano.

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Tras estos impactantes testimonios, los papeles de Jonathan Groff, Holt McCallany y Anna Torv, pueden parecer desdeñables, pero nada más lejos de la realidad. Yo incluso le encontré un punto psicopático a Holden. El que tiene cara de joven emprendedor en la foto. Es difícil de ver esto en un agente de la ley. Quizá Dexter. Pero esa es otra historia diferente y mucho más gorda.

Bill Tench es un agente experimentado, con ciertas reticencias a los nuevos retos pero que poco a poco va siendo ganado para la causa. Previsible, pero con intervenciones del realista confeso que vuelve a poner el tema nuevamente sobre la tierra. Y la profesora universitaria Wendy Carr cierra el trio, ella es el punto académico que no comprende de burocracia pero que la acata con convicción. Las relaciones personales de todos ellos ayuda a crear un conjunto singular y de aparente normalidad contribuyendo a eliminar cualquier posibilidad melodramática.

Producida por Netflix, sigue la estela de la calidad de otras como Narcos u Ozark. La coproducción es de Panic Pictures, responsable de House of Cards. Y la mitad de los capítulos los dirige David Fincher.  Pa qué más!

Recomendable, y mucho. Se esperan más temporadas.

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The Young Pope. Paolo Sorrentino. 2016. Serie.

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Con el paso del tiempo, Sorrentino cada vez está más cerca de a ser uno de los directores italianos que disfrutarán de la veneración de generaciones futuras. Y con pocas realizaciones a sus espaldas, la venerada La gran belleza o La juventud, ha demostrado una peculiar manera de hacer. Debes de contar las historias según tu manera, sólo tu manera le imprime una singularidad a tus creaciones. Cree en tí y los demás lo harán. Esta máxima verdadera, tan difundida por quienes son capaces de verbalizarlo e incapaces de ponerla en práctica, fundamente él su producción. Es la clave.

La ambientación de este director, su diégesis, su manera de recitar sus historias, que alcanzan tanto al guión como a las imágenes, provocan una persistencia en la mente y la  retina difícilmente inolvidables. Hipnótica.

Y como hablamos de la serie y no de otra cosa, es imperioso ver quien se hizo cargo del aspecto de Young Pope. Luca Bigazzi demostró su más profunda esencia. Tras participar como director de fotografía en las dos películas mencionadas, hasta ahora las mejores, e incluso únicas serias realizaciones de Sorrentino, vuelve ha cautivarnos con las mismas imágenes. Una muestra que incluye incluso hastalos títulos de crédito, utilizando metáforas visuales que a bien pocos se les escapan:

Irrevente en algunos casos, extravagante en otros, mordaz, narra los ambiguos pensamientos e intenciones de un Papa surgido de las maquinaciones de un cónclave manipulado y agradecido que puede provocar sin generar ideas contraproducentes para el lucro y la utilidad de la permanencia católica. Un Vaticano que puede tambalearse a pesar de la secular estabilidad que inconscientemente le otorgamos.

Jude Law interpreta a un Papa que con los años se convertirá, seguramente, en su mejor interpretación. Silvio Orlando en el papel de salvaguardo de los intereses históricos de una Iglesia al mismo tiempo eterna, al mismo tiempo efímera y frágil.

2017-07-21 22.18.31silvio orlandoSorrentino no deja impasible, puede gustarte e incluso encantarte, como a mí, pero también puede decepcionarte e incluso llegar a despreciarlo, pero con el tiempo se afianzará como uno de los realizadores que le pegue una patada al noble oficio de contar historias enseñando unas maneras nuevas de reflejar realidades y fantasías, de sueños y de pensamientos en el que futuras generaciones anclaran sus raíces. De Sica, Visconti o Fellini no predicaron en vano.

 

Atentos a los que creen en una Iglesia única, eterna e universal. Todo cambia.

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Título original: The Young Pope (Il giovane papa)

Año: 2016.

País: Italia

Director: Paolo Sorrentino.

Guión: Umberto Contarello, Tony Grisoni, Stefano Rulli, Paolo Sorrentino

Música: Lele Marchitelli

Fotografía: Luca Bigazzi

Reparto: Jude Law, Diane Keaton, Silvio Orlando, Scott Sheperd, Cécile De France,Javier Cámara, Ludivine Sagnier, Toni Bertorelli, James Cromwell.

Productora: Coproducción Italia-Francia-Estados Unidos-España; Wildside / Sky Italia / Canal+ / HBO / Mediapro

 

 

Cardinal y Rebecka Martinsson. Series. 2017.

 

He tenido la suerte de poder visionar el primer capítulo de dos series estrenada a inicios de este 2017. Cardinal, canadiense y Rebecka Martinsson, sueca. Ambas se basan en novelas. Cardinal en la serie del escritor Giles Blunt y su protagonista John Cardinal, y Rebecka Martinsson basada en la abogada protagonista de las novelas de Åsa Larsson, quizá más conocidas que el anterior. Dos series potentes.

Tengo que proclamar mi rechazo natural a las novelas negras de autores de corte nórdico, no me parecen especialmente innovadoras, ni trascendentales, ni ingeniosas, pero cuando llegamos al tema de la imagen la cosa cambia.

Ambas series, a pesar de estar basadas en best-seller que a mi opinión no lo son tanto, gozan de una factura y de la utilización de unos recursos visuales que permiten clasificarlas como de una atracción especial, creando un estilo muy particular y propio. La dirección de fotografía corre a cargo de Petrus Sjövik y Steve Cosens, respectivamente.

La atracción está basada en el paisaje y en como la fotografía apoya una particular manera de tratar lo visual, minimalista, liberando las escenas de elementos accesorios. Muy sobrias, austeras y moderadas.

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En el caso de Cardinal, la historia transcurre en pleno invierno, los mantos nevados fagocitan muchos de los componentes de planos generales y reducen los puntos de concentración del espectador donde quiere el director, en lo que es realmente importante y sustantivo de cada escena. Este ambiente, no frio, sino glacial, evita perderse en las cosas secundarias, provoca una sensación de no poder perder el tiempo en llamativas escenas, sino en acercarnos e introducirnos mucho más en el contenido de lo que nos cuentan.

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En cambio, con Rebecka Martinsson la trama transcurre en el corto verano del norte de Suecia. Aquí se subrayan los mismos planteamientos estéticos pero cambiando el neutral blanco por el esplendoroso verde de los bosques. Pero logrando el mismo planteamiento de lograr la máxima expresión con los mínimos medios. Masas boscosas alternando con lagos, con carreteras que las recorren como cicatrices del terreno, siendo la sobriedad el elemento común.

Esta misma percepción, aún tratando con paisajes diferentes se consigue gracias a la luz. Una luz tamizada, nórdica que atempera los colores, los vuelve apagados, predominando los pardos, los grises, sin luz directa, sin sombras, y donde la luz artificial juega un papel muy importante.

Esto no quiere decir que ambas series sean iguales, cambia del entorno, urbano, policial y procedimental de Cardinal, al rural, psicológico y sentimental de Rebecka. A elegir, pero ambas muy dignamente conseguidas.

Unas series para disfrutar de unas intenciones cinematográficas alejadas de los canales habituales.

 

Feud. Serie. 2017.

feud_bette_and_joan_tv_series-120644719-largeEl cine que habla del cine se le conoce como metacine. ¿Pero cómo se llama una serie que habla del cine? ¿metaserie, metacineserie, metaseriecine? En cualquier caso, si eres amante, devoto, idólatra o incluso un poco friki del cine, no debes perderte Feud, una serie donde los pormenores y menudencias de la industria del cine de principios de los sesenta en Hollywood quedan al descubierto.

Tras repasar en otro post la película ¿Qué fue de Baby Jane? volvemos sobre ella con Feud como excusa.

Por partes.

Para empezar dos bestias de la interpretación: Susan Sarandon, en el papel de Bette Davis, y Jessica Lange, en el de Joan Crawford. Sólo con esto es suficiente para convencer al más reacio.

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Además, es un aliciente la época en la que transcurre, principios de los sesenta, en el que la historia de Hollywood empezaba a transitar hacia el verdadero negocio del cine que vivimos actualmente, y donde las estrellas y sus maravillas interpretativas cada vez pesaban menos en el éxito taquillero de las películas.

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La trama. La vicisitudes por las que atravesaron los integrantes de dos cintas míticas: ¿Qué fue de Baby Jane? y Canción de cuna para un cadáver, ambas dirigidas por un Robert Aldrich que se nos presenta como un verdadero malabarista a la hora de llevar adelante la dirección de estos dos filmes por un doble motivo: dirigiendo a dos estrellas en sus horas bajas y lidiando, al mismo tiempo, con los estudios punteros del momento: la Warner y la 20th Century Fox.

Siempre se ha aludido a la rivalidad Davis-Crawford como uno de los sellos identificativos de las dos películas. Pero la serie rompe este mito. Es verdad que existía, pero no hasta el grado que se publicitó en su momento. El señor Warner empezaba a manipular el marketing cinematográfico. En realidad ambas actrices hacían un frente común ya que su objetivo era el mismo: relanzar sus carreras. Aunque no estaban de acuerdo con todo. Pero lo hicieron de manera distinta.

Joan Crawford, intentaba mantener sus estatus de icono del cine, bella, sensual, magnífica, mientras que Bette Davis intentó en ¿Qué fue de Baby Jane? evolucionar en su profesión, pretendiendo establecer como base, la calidad artística de sus interpretaciones. Es proverbial su primera aparición en el rodaje, en el que dejó boquiabiertos a todos con una caracterización realizada por ella misma de una patética vieja que se resistía a abandonar su antiguo papel de estrella infantil, una imágen icónica del cine.

La historia del rodaje de ambas películas se cuentan a partir del testimonio de otras actrices coetáneas, como Joan Blondell y Olivia de Havilland en 1978, en el Dorothy Chandler Pavilion, donde la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas celebró su Entrega Anual de Premios con el mismo nombre entre 1969 y 1987.

Creo que solamente lo dicho hasta aquí es suficiente para devorar la serie. Por si no fuera suficiente, los secundarios que arropan a semejantes actrices son espectaculares:

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Y ahora pasamos a los chismorreos. No es que sea importante, pero endulza la vida.

¿Sabías que Bette Davis colocó a su hija en la película? Sí, la vecina de las hermanas Hudson a la que tiene que torear Baby Jane es su propia hija, Barbara Merrill, que utilizó en el reparto el apellido de su padre.

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¿Sabías que Joan Crawford fue sustituida en Canción de cuna para un cadáver por Olivia de Havilland porque fingió una enfermedad al enterarse de que Bette Davis era la productora de la película y tenía poder de decisión sobre el rodaje? Le costó una gran indemnización y fue el principio del fin.

Bette Davis fue nominada al Oscar como mejor actriz por ¿Qué fue de Baby Jane?, pero ¿Sabías que Joan Crawford se las apañó para recoger el Oscar en 1962? Lo hizo en nombre de Anne Bancroft, la ganadora, por El milagro de Anna Sullivan, cuando ni siquiera estaba nominada, dejando como perdedora en el patio de butacas a una atónita Bette en una difícil situación.

Feud nos cuenta éstas y muchas otras más intrahistorias. Un buen metacine en tan sólo ocho episodios de 45 minutos. Nadie dio más por menos.

No te la pierdas.